PAUL GAUGUIN / Te faaturuma ou La boudeuse (1891)

Titre original : Te faaturuma (en tahitien)
Titres alternatifs : La Boudeuse, Le Silence, littéralement « celle qui se tait »
Artiste : Paul Gauguin (1848–1903)
Date : 1891 (premier séjour tahitien, 1891–1893)
Technique : Peinture à l’huile sur toile
Dimensions : 91,1 x 68,7 cm (format portrait)
Localisation actuelle : Musée d'art de Worcester
Numéro d’inventaire : 1921-186
Trajectoire :

• Peinte à Mataiea (Tahiti) en 1891.
• Exposée à Paris chez Durand-Ruel (1893), puis chez Ambroise Vollard (1895).
• Acheté par Edgar Degas
• Acquise par le musée d'art de Worcester, dans le Massachusetts, en 1921

Cette analyse du tableau intitulé indifféremment « La Boudeuse », « Le Silence » ou « Te Faaturuma », peint par Paul Gauguin en 1891 lors de son premier séjour à Tahiti, traite une œuvre capital de la modernité artistique fin de siècle, actuellement conservée au Musée d'Art Worcester (Worcester Art Museum), dans le Massachusetts. Le tableau, réalisé à l'huile sur toile avec des dimensions de 91,1 centimètres de hauteur pour 68,7 centimètres de largeur, constitue l'une des compositions les plus remarquables et les plus accessibles de Gauguin, unissant une apparente simplicité de sujet avec une complexité formelle et émotionnelle profonde. Le titre tahitien « Faaturuma » se traduit littéralement par « celle qui se tait » ou « la silencieuse » en français, bien que Gauguin lui-même proposa également la traduction « le silence » ou « être morne » pour désigner cet état psychologique particulier qu'il tentait de capturer. L'œuvre demeure un document fascinant de la rencontre entre l'Occident européen et la Polynésie colonisée, révélant à la fois les aspirations esthétiques novatrices de Gauguin et les contradictions morales et politiques inhérentes au projet colonial français du dix-neuvième siècle. 

Le titre qui en dit long

Le titre Te faaturuma provient du mot tahitien signifiant « celle qui se tait » ou « la silencieuse », évoquant un refus de communiquer ou une résistance passive. Gauguin l’interprète comme une allégorie de la culture tahitienne face à la colonisation, ou une métaphore de son propre isolement en tant qu’artiste en rupture avec l’Europe. Ce silence peut aussi être vu comme une puissance : la femme ne se soumet pas au regard du spectateur (ou de Gauguin), elle résiste par son mutisme. Gauguin projette sur ce visage une idéalisation mélancolique de la Polynésie, entre fascination et incompréhension.
La solitude : isolement de la figure dans le paysage, reflétant peut-être l’état d’esprit de Gauguin lors de son premier séjour tahitien entre déception face à la réalité coloniale, nostalgie de la métropole et mélancolie vivace, ce qui se ressent davantage encore dans l'autre tableau nommé cette fois Faaturuma (« Mélancolique » ou « Rêverie »).

Le parcours de Paul Gauguin

Arrivé à Tahiti en 1891, il espérait y trouver un paradis perdu, une société préservée de la corruption moderne, où il pourrait vivre en harmonie avec une nature et une culture « pures ». Or, il découvre rapidement que l’île est déjà marquée par la présence européenne : les missionnaires ont converti une grande partie de la population, les maladies ont décimé les autochtones, et l’administration coloniale a imposé ses normes. Malgré cela, Gauguin s’installe à Mataiea et tente de s’immerger dans la vie locale, apprenant quelques mots de tahitien, collectionnant des artefacts, et peignant des scènes qui mêlent observation et imagination. Te faaturuma émerge de cette période de transition, où l’artiste oscille entre l’envie de documenter une réalité qui lui échappe et le désir de la réinventer selon ses propres mythes. Le tableau s’inscrit ainsi dans une série d’œuvres où les Tahitiennes deviennent des figures à la fois réelles et fantasmées, comme dans La Orana Maria (1891), où il fusionne iconographie chrétienne et motifs polynésiens, ou Fatata te Miti (1892), où les baigneuses semblent flotter dans un rêve coloré. Ces toiles ne sont pas de simples représentations ethnographiques, mais des constructions poétiques où Gauguin projette ses obsessions : la quête d’un édén perdu, la fascination pour le sacré, et une mélancolie qui le suit depuis son départ d’Europe.

Contexte historique et artistique

Ce tableau est réalisé lors du premier séjour tahitien (1891–1893), il reviendra une seconde fois définitivement en Polynésie (1895-1903). Surtout Paul Gauguin fuit la France pour chercher un paradis primitif et pourtant il  découvre une société déjà transformée par le colonialisme et le christianisme qui sont au coeur de ce tableau, en contre-point. Il s’installe alors à Mataiea, où il peint des scènes de la vie locale, mais aussi des allégories personnelles (Faaturula et Te faaturuma en sont des exemples). Il ramenera 40 toiles pour son exposition à Paris chez Durand-Ruel en 1893 avant de revenir définitivement, suite à l'échec de réception qu'il a rencontré. 

Les influences stylistiques

Les influences stylistiques sont : l'art océanien qu'il découvre avec les masques et sculptures maories, que Gauguin lui-même collectionne et qui passent par une simplification des traits et une expressivité contenue ; mais aussi les estampes japonaises (ukiyo-e) : contours nets, aplats de couleur, absence de perspective ; le primitivisme au travers du rejet du réalisme et au profit d’une expression symbolique et synthétique.

Réception

Devenue une icône de l’art postimpressionniste, cette peinture est souvent reprise pour illustrer le primitivisme en art ainsi que la représentation de l’Autre. Elle reçoit un accueil initial mitigé lors de ses différentes présentation à Paris entre 1893 et 1895, d'abord exposée chez Durand-Ruel en 1893, puis chez Ambroise Vollarden 1895. Les critiques sont partagés, certains y voient une œuvre puissante, proche du symbolisme, d’autres la jugent trop schématique, voire caricaturale (reproche fréquent à Gauguin pour ses représentations tahitiennes).

L'influence picturale continue à travers son héritage

L'importance de « Te Faaturuma » pour le développement ultérieur de la peinture moderne s'avère considérable, bien que fréquemment non explicitement reconnue. Le tableau incarne et concentre plusieurs principes fondamentaux du modernisme artistique qui allaient dominer les décennies suivantes du vingtième siècle. La libération de la couleur de son rôle de description naturaliste, la simplification radicale de la forme, l'affirmation de la planarité et de la bidimensionnalité du tableau, tous ces éléments que Gauguin manifesta dans « Te Faaturuma » anticipaient directement les préoccupations esthétiques des fauves, des expressionnistes allemands, et ultérieurement des artistes abstraits. Le formalisme critique qui émergea aux États-Unis et en Europe après la Deuxième Guerre mondiale, en particulier à travers le travail du critique Clement Greenberg, interpréta les peintures de Gauguin comme des précurseurs essentiels de la peinture abstraite moderniste, lectures qui soulignèrent précisément ces qualités formelles pures abstraction du contenu narratif ou descriptif traditionnel. Bien que cette interprétation formaliste soit devenue sujette à critique ultérieurement, elle attesta de la puissance du tableau à stimuler la réflexion critique et théorique. Les artistes modernes et contemporains continuent à se confronter aux peintures de Gauguin, cherchant à comprendre comment il réussit à transformer le matériau pictural lui-même, à libérer la peinture des conventions qui l'emprisonnaient. L'impact de Gauguin sur l'expressionisme allemand, mouvement artistic qui émergea au début du vingtième siècle en Allemagne et en Autriche, demeure particulièrement significatif. Les artistes expressionnistes, notamment Emil Nolde et Egon Schiele, admiraient profondément l'approche gauguinienne de la couleur expressée, du contour affirmé, et de la déformation volontaire de la forme en service de l'expression émotionnelle. Ces artistes voyaient dans l'œuvre de Gauguin une autorisation esthétique pour explorer la distorsion, l'exagération, et la stylisation comme outils légitimes de l'expression artistique. De même, le fauvisme français, mouvement artistic explosif qui émergea à Paris en 1905, autour de figures comme Henri Matisse et André Derain, puisa directement dans l'héritage gauguinien. L'autonomie de la couleur, son utilisation pour exprimer l'emotion plutôt que pour décrire la réalité, constituaient les principes fondamentaux du fauvisme comme du synthétisme gauguinien. Matisse, en particulier, reconnut sa dette envers Gauguin et exprima son admiration pour la liberté créative et l'innovation formelle que Gauguin avait établies. Les « taches de couleur » caractéristiques du fauvisme de Matisse et de Derain incarnent une application directe des principes de libération chromatique que Gauguin défendait.

En résumé, on pensera encore à l'influence que Paul Gauguin a eu sur :

• Les fauves (Matisse, Derain) pour l’usage audacieux de la couleur et donc à travers eux CoBrA.
• Les expressionnistes allemands (Munch, Kirchner) pour la charge émotionnelle.
• Les modernistes cubistes et puristes (Picasso, période africaine ; Ozenfant et Le Corbusier) pour la stylisation des formes.